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Retos Literarios Poético-Visuales

El diccionario de la Real Academia Española, el más conservador libro de las palabras ya le otorga un sentido más amplio incorporando la representación de las ideas mediante el uso de letras u otros signos. En un sentido estricto, escribir es representar las palabras o las ideas con letras u otros signos trazados en papel u otra superficie.

La escritura, no sólo en castellano sino en general, se refiere a todo tipo de signos gráficos. Desde la convención matemática hasta la notación musical, pasando por los ideogramas y los jeroglíficos, los diagramas o los emblemas. La escritura no sólo es alfabética, no sólo representa el habla, sino que va más allá de la fonética y de la palabra para convertirse en una forma de representación del pensamiento y de las ideas como bien dice el diccionario de la RAE.

La escritura es una tecnología para preservar la memoria colectiva. Es una tecnología sofisticada que precisa de aprendizaje de códigos de escritura- lectura, de herramientas y de superficies que sirvan como soporte.

El primer pictograma del que tenemos constancia data del año 3. y es una tablilla en pieza caliza de la ciudad de Kish.

Más adelante los sumerios desarrollaron ideogramas símbolos que representan ideas asociadas menos concretas en un número cercano a los 2. Comenzaron no sólo a asociar representación e idea, sino a equiparar el mismo símbolo a sonidos iguales. Tras estos pequeños balbuceos, nace la esencia de un alfabeto: la escritura cuneiforme del año 2.

Al buscar Claude Lévi-Strauss los orígenes de la escritura sostiene que "Podría suponerse que su invención evocó cambios profundos en la vida de la humanidad Pues la escritura multiplica por millas las posibilidades de adquirir y conservar conocimientos pero es posible decir que en el neolítico, la humanidad hizo enormes progresos aun desconociendo la escritura.

Y, a pesar de su conocimiento, las culturas históricas de Occidente estuvieron estancadas durante largo tiempo" - "desde la invención de la escritura hasta el nacimiento de la ciencia moderna en el mundo occidental transcurrieron unos cinco mil años, durante los cuales los conocimientos, más que acumularse, cambiaron.

Desde la antigüedad fue muy importante la difusión de las ideas así es como los romanos idearon la fabricación de sellos de arcilla con inscripciones alrededor del año a. para difundir sus pensamientos con mayor eficacia. También se estipula que los chinos tuvieron un modelo de imprenta con caracteres móviles, los que fueron fabricados en porcelana por el año aproximadamente este sistema debió de ser muy complejo debido a la complejidad de su sistema comunicacional y por sobre todas las cosas su forma de escritura.

Sin embargo en nuestra cultura el referente más directo en los adelantos sobre sistemas de impresión es Johannes Gutenberg ya que se considera que fue el padre de la imprenta moderna, por su aporte en el sistema de impresión, con el diseño de caracteres móviles lo que permitió que los textos publicados fueran confeccionados con mayor soltura creando así la idea de nuestra imprenta moderna.

Comúnmente denominada también conocida como la Biblia de 42 líneas o Biblia de Mazarino Biblia de 42 líneas. Gracias a Friedrich König, que inventó la prensa accionada por vapor que revolucionó toda la industria de la impresión.

Una de las consecuencias fue la prensa de cilindro, que utilizaba un rodillo giratorio para prensar el papel contra una superficie plana. Con la rotativa, unos años más tarde, se iba a permitir la impresión simultánea por ambas caras del papel.

En , después de que el francés Simon Ballanche concibiera la idea de construir una máquina automática para componer textos, el estadounidense William Church logra construir la primera máquina de este tipo, la componedora.

La idea era mecanizar y facilitar al máximo la complicada tarea de componer manualmente los tipos de plomo de la tipografía, uno a uno, formando textos completos, como se hacía desde Gutenberg.

De todos modos, el hecho de que la máquina cometiera ciertos errores hizo que no se impusiera de modo universal.

Habría que esperar la invención de la linotipia en En , el inglés Smart inventa una rotativa para la impresión litográfica, en la que todo el proceso se automatiza excepto para la entrada alimentación y salida retirada del papel. Surge así la primera imprenta de offset automática. La confección de libros y ediciones ilustradas también incluyeron la técnica del grabados en especial con aplicación de la xilografía en un primer momento, la que nos ha hecho reflexionar en lo largo de la historia sobre las palabras, los mensajes, las producciones visuales y la idea de la multiejemplaridad cosa que nos acerca permanentemente a la poesía visual y su desarrollo en el campo del arte y de la historia ya que durante el apogeo del movimiento expresionista se utilizo esta técnica para la confección de carteles y volantes que difundían las ideas políticas de los artistas y los grupos que ellos representaban.

Desde los comienzos la idea comunicacional estaba impulsada principalmente por las entidades religiosas y políticas quienes distribuían bloques de letras sin ningún tipo de reestructuración reflexiva académica a cerca del lenguaje, posteriormente el desarrollo de las artes graficas fue incluyendo aportes estéticos en las producciones que se distribuían facilitando así la propagación de ideas.

El modelo antiguo más frecuentes fue —la caja texto- que se dividía en dos columnas de modo que el campo visual fuera de fácil captación para los lectores.

Siempre con una marcada intención de transmitir mensaje visual. En estos tiempos cada ejemplar era un original muchas veces iluminado de forma manual en los monasterios. Fue en Holanda y Alemania que se fabricaron libros xilográficos en donde la característica principal fue la matriz en base a un bloque de madera, lo que le da el nombre a la técnica; con el paso del tiempo se fueron realizando mixturas técnicas que enriquecieron los impresos.

El arte tipográfico evolucionó y llego a crear obras maestras en la formación y estructuras de libros y ediciones especiales impresas.

Con la imprenta electrónica ha habido una revolución visual cambio que afecto principalmente en el diseño de los libros aunque siga siendo de un elevado costo, pero hay gran variedad de métodos de impresión que resultan ser mas económicos como lo son la fotocopia, la duplicación electrostática y la imprenta digital, la que no solo ahorra tiempo sino costo lo que permite democratizar la información ya que el numero de ejemplares permite que las tiradas cortas también sean rentables posibilitando enviar los pedidos por correo electrónico.

Esta es la actividad que posibilita comunicar gráficamente ideas, hechos y valores procesados y sintetizados en términos de forma y comunicación, factores sociales, culturales, económicos, estéticos y tecnológicos.

También se conoce con el nombre de diseño en comunicación visual, debido a que algunos asocian la palabra gráfico únicamente a la industria gráfica, y entienden que los mensajes visuales se canalizan a través de muchos medios de comunicación, y no sólo los impresos. El carácter lúdico de las producciones visuales es el que nos interesa por momento.

Algunos principios fundamentales subyacen en toda buena tipografía, ya sea de periódicos, revistas o libros, o bien de caracteres, envases o pantallas de ordenador.

Estos mismos principios, establecidos primero en los tipos móviles de Gutemberg y desarrollado más tarde con las revoluciones visuales modernas, serán todavía válidos en la nueva era de los medios electrónicos, hipertextos e internet, sean cuales sean los foros que el futuro pueda traer consigo.

Los elementos básicos de la tipografía son las letras de caja alta, las letras de caja baja, los números y los signos de puntuación. Las letras evolucionaron a partir de los pictogramas e ideogramas prehistóricos para convertirse en los sofisticados signos del alfabeto latino, el sistema de escritura más ampliamente utilizado en el mundo en la actualidad.

Aunque durante siglos se han producido variaciones en algunos detalles, la estructura esencial de las letras y los números no ha sufrido ninguna transformación sustancial. Tanto grabada en piedra como escrita sobre papel, impresa en libros o pixeladas en un ordenador, las letras siempre han utilizado las mismas estructuras básicas que utilizaban los romanos.

Regresando un poco en el tiempo vemos que la tipografía de la Edad Media giro en torno al trabajo manual de los monjes cristianos realizado en los monasterios a los cuales se les dio el nombre de copistas. En el renacimiento se utilizo un tipo de letra llamada texture, fraktur la misma tiene una impronta de carácter gótico también denominado estilo ingles antiguo que es la que utilizó Gutemberg en la Biblia de 42 líneas.

Otro aporte visual importante fue la revista cuatrimestral en la que se informaba sobre las actividades, nuevos productos y contratos. Pero los integrantes del equipo decidieron en escribir solo en letras minúsculas e imprimir según las normas D. Instituto Alemán de Normalización.

Además: ¿por que dos alfabetos, cuando uno es suficiente? Entendiendo la tipografía para texto como representación visual de la oralidad, muchas veces se desatiende el escenario de su función primordial: la dimensión del lenguaje. Una observación lingüística de la tipografía nos enfrenta a una rica serie de interrogantes: la problemática entre lo oral y lo escrito, la cuestión de los procesos de lectura, nuestro uso del lenguaje en función de mecanismos ligados a la ley del menor esfuerzo, la distinción visual de los diferentes idiomas a partir de sus diversas ortografías, la tipografía como heredera histórica de la evolución de la letra manual.

Todas estas problemáticas encuentran un nervio común en la noción de ritmo, un factor que, de aparente origen biológico, se evidencia esencial en nuestra interacción perceptiva y constructiva con la realidad. La reconsideración del diseño de tipografías desde la perspectiva de esta doble dimensión, la del lenguaje y la visual, inaugura nuevas miradas sobre la inextricable visualidad de la palabra.

La tipografía y la estética están muy relacionadas. Transmitir su propia imagen a través de la comunicación visual es un gran reto tanto para diseñadores como artistas sobre todo teniendo en cuenta la sentencia de McLuhan "El hombre racional de nuestra cultura occidental es un hombre visual.

Los carteles llenos de colores, impresos en un actualizado sistema litográfico, atrapaban la atención de los transeúntes. Las ilustraciones, ayudadas por el texto, revelaban un contexto preciso, introduciendo una nueva estética de imágenes simplificadas ordenadas por los medios de reproducción gráfica.

El afiche fue entonces y lo es aún hoy una técnica de difusión de la información que permite llegar a gran cantidad de público, sin necesidad de invertir grandes recursos. Sus posibilidades comunicativas dependen en gran medida de su calidad técnica y estética y de su adecuada ubicación. Con el descubrimiento de técnicas de reproducción de la imagen como la xilografía y posteriormente la imprenta el cartel va a ir adquiriendo una enorme relevancia en el desarrollo del diseño y las artes graficas.

Entendía que los carteles eran un medio de comunicación con otras personas, que se dirigía a cierta audiencia. Descubrió la importancia de trasladar su trabajo a la imprenta, y aprovechó la litografía a gran escala.

La tradición clásica de la tipografía centrada, usando varias formas de letras, tuvo sus orígenes en los letreros y en la caligrafía, pero hubo innovadores que estaban preparados para desafiar los valores existentes, en busca de una forma de comunicación más efectiva y original.

Sin embargo, Amsterdam, Bruselas, Berlín, Munich, Budapest, Viena, Praga, Barcelona, Madrid, Milán y Nueva York también nutrieron escuelas de artistas del cartel y brillantes diseñadores individuales. Milán produjo el número más destacado de creadores de carteles, cuya originalidad desafió a los de París.

Varios artistas estadounidenses integraron con éxito ilustraciones en el letrero en sus diseños. Will Bradley hizo un brillante trabajo al revivir el Art Nouveau, el manierismo de la Edad Media y el Renacimiento. Bradley absorbió la influencia no solamente de Francia, sino también de Japón e Inglaterra.

En Inglaterra, William Morris y otros buscaron enfatizar el papel del artesano, hacia los modelos del Renacimiento y a un diseño más vigoroso. Los artistas de los carteles de este período demostraron que la osadía de la libertad estética primero exige un enfrentamiento con la innovación técnica en la producción y la reproducción gráfica.

Desde esta época los artistas dejarán de agregar simplemente textos tipográficos y empezarán a dibujar tipos y a responsabilizarse de todos los elementos que deberían ser reproducidos, siendo entonces reconocidos como diseñadores gráficos. Durante el siglo XIX el diseño de mensajes visuales fue confiado alternativamente a dos profesionales: el dibujante o el impresor.

El primero estaba formado como artista y el segundo como artesano, ambos frecuentemente en las mismas escuelas de artes y oficios. Para el impresor tenía como arte el uso de ornamentos y la selección de fuentes tipográficas en sus composiciones impresas.

El dibujante veía a la tipografía como un elemento secundario y prestaba más atención a elementos ornamentales e ilustrativos.

El movimiento Arts and Crafts y William Morris van a interesarse por la producción de libros, que se imprimirán en una variedad de formatos, con decoraciones xilográficas y un conjunto de letras, creadas a partir de especificaciones propias y sacadas de fotos de impresos del siglo XV.

Estos y otros libros de editoriales privadas figuran entre los trabajos gráficos británicos más admirados en el continente europeo. Estas nuevas ideas se discutieron y diseminaron por Austria, Alemania, Bélgica e Italia. Algunas revistas publicadas en Londres difundieron los trabajos del diseñadores de Glasgow Charles Rennie Mackintosh, George Walton y Margaret y Frances Macdonald.

Las influencias fueron absorbidas por diversos artistas, arquitectos y diseñadores de estos países. El diseño de principios del siglo XX, al igual que las bellas artes del mismo periodo, fue una reacción contra la decadencia de la tipografía y el diseño de finales del siglo XIX.

El Art Nouveau, con su clara voluntad estilística fue un movimiento que aportó a un mayor orden visual en la composición. Si bien mantuvo un alto nivel de complejidad formal, lo hizo dentro de una fuerte coherencia visual, descartando la variación de estilos tipográficos en una misma pieza gráfica.

Desde el inicio del siglo XX los desarrollos experimentados en el diseño de los carteles se extendieron a las tarjetas postales, etiquetas adhesivas, estampillas y embalajes. Esto fomentó la economía en el diseño y redujo el número de colores utilizados. En Alemania, los diseños desarrollaron una estética refinada y enérgica para anunciar los productos al consumidor.

En Berlín, un grupo de diseñadores asociado con una firma de impresión Hollerbaum und Schmidt rompió una nueva barrera: sus carteles restringieron la imagen al objeto que se estaba anunciando, y las palabras a la marca del fabricante.

Este estilo se conoce como cartel - objeto Sachplakat. Si el empujón principal al desarrollo del diseño gráfico después de la primera guerra mundial se centró en los movimientos de vanguardia y sus aspiraciones, una menos agitada, pero no menos brillante evolución, tuvo lugar en el cartel comercial.

La primera guerra mundial estableció la importancia del diseño gráfico. El gráfico, la ilustración y el letrero ayudaban a informar e instruir de un modo económico y directo. La identificación militar era un código que se entendía instantáneamente. Las insignias de los regimientos tenían mucho en común con el diseño económico y con las imágenes poderosas y lemas de los nuevos carteles.

Los gobiernos los utilizaron en los anuncios públicos, así como en la propaganda y para exhortar a los ciudadanos a compartir el esfuerzo de la guerra. Los movimientos artísticos de la segunda década del siglo XX y la agitación política que los acompañaba, generaron dramáticos cambios en el diseño gráfico.

El Dada, De Stijl, Suprematismo, Cubismo, Constructivismo, Futurismo, y la Bauhaus crearon una nueva visión que influyó en todas las ramas de las artes visuales y el diseño. Todos estos movimientos se oponían a las artes decorativas y populares, así como también el Art Nouveau, que bajo la influencia del nuevo interés por la geometría evolucionó hacia el Art Decó.

En este período también proliferaron las publicaciones y manifiestos, mediante los cuales los artistas y educadores mostraron sus opiniones.

Durante la década de se desarrollaron aspectos interesantes para la composición del diseño gráfico. El cambio de estilo gráfico fue trascendental porque muestra una reacción contra el organicismo y eclecticismo ornamentalista de la época y propone un estilo más despojado y geométrico.

Este estilo, conectado con el constructivismo, el suprematismo, el neoplasticismo, y la Bauhaus, ejerció una influencia duradera e ineludible en el desarrollo del diseño gráfico del siglo XX.

Otro elemento importante en relación a la práctica profesional, fue el creciente uso de la forma visual como elemento comunicacional. La Bauhuas Abril de es la fecha en que abrió sus puertas una de las escuelas más importantes del mundo.

Asimismo, es también la fecha en que se institucionalizó una nueva forma de pensar, de ver el mundo y de atisbar el futuro de la floreciente industria.

Catorce escasos años de existencia pudieron haber significado su pronto olvido, sin embargo, como toda buena obra del diseño, su legado ha trascendido generación tras generación. Han pasado mas de 80 años desde que en la Bauhaus se impartió el primer curso, lo que también significó que se establecieron nuevas líneas de pensamiento artístico, técnico y filosófico.

Fue ésta una suma por demás creativa que ofreció, ante todo, un nuevo profesional adecuado a las nuevas tecnologías, que avizoraba un mundo industrializado con nuevos retos y, sobre todo, con un estilo de vida innovador. Las consecuencias de la devastadora y creciente industrialización de finales del siglo XIX, surgida primero en Inglaterra y más tarde en Alemania, influyeron en la clase obrera y en la producción de los artesanos.

El progreso tecnológico también trajo consigo un cambio en las estructuras sociales. En el siglo XIX, Inglaterra se alzó como la potencia industrial más prominente de Europa. Hasta bien entrados los años noventa del XIX, los ingleses se mantuvieron a la cabeza en lo que se refiere a adelantos técnicos y culturales, resultando los indiscutibles vencedores.

Esto ya se anunciaba desde los años cincuenta, cuando reformaron los procesos educativos tanto para los artesanos como para las Academias.

En éstas se enseñaba a los alumnos a diseñar por sí mismos en lugar de copiar modelos anteriores. Sin embargo, con este sistema no se lograba el propósito de las reformas, es decir, no se alcanzaba la creación de una cultura que llegara al grueso de la gente. Por ello, la afiliación al socialismo planteó una mejor solución.

Lograr una cultura del pueblo y para el pueblo se convirtió en aquellos tiempos en el desafío de casi todos los movimientos culturales innovadores como la Bauhaus. En Alemania se intentó alcanzar el mismo éxito logrado por los ingleses, por lo que al inicio de la década de los noventa se dio impulso a la importación de ideas y reformas desde Inglaterra.

Más tarde, en , el gobierno prusiano envió a Hermann Muthesius a Inglaterra por un periodo de seis años, en calidad de "espía del gusto". Su estancia tenía como finalidad estudiar las causas del éxito inglés. Gracias a esto se establecieron en el país germano Escuelas de Artes y Oficios en las que diversos artistas modernos fungieron como profesores.

En esas escuelas y talleres se producían principalmente enseres de casa, muebles, textiles y utensilios de metal. Estilísticamente, los productos alemanes de final de siglo no tenían parecido alguno con los producidos por los ingleses de las Arts and Crafts, movimiento profundamente arraigado durante el siglo XIX.

En esa década de , Alemania adelantó a Inglaterra como nación industrialzada, asegurándose ese puesto hasta , cuando estalló la Primera Guerra Mundial. En , el gobierno alemán puso a cargo de Walter Gropius la dirección y administración de las dos escuelas más importantes de arte en Weimar, la Sächsichen Kunstgewerbeschule y la Sächsischen Hochschule für bildene Kunst.

En un manifiesto de la Bauhaus distribuido por toda Alemania, Gropius aclaraba el programa y la meta de la nueva escuela: artistas y artesanos debían trabajar juntos en la construcción del futuro.

Gropius declaraba los principios que, en su opinión, deberían regir la escuela desde su inicio. Se refirió a ellos en los siguientes términos retóricos, que evocan un ideal casi cercano a la Edad Media por unificar las artes alrededor del eje de la arquitectura: "Arquitectos, escultores, pintores, todos nosotros debemos regresar al trabajo manual [ Anhelemos, concibamos y juntos construyamos el nuevo edificio del futuro, que dará cabida a todo a la arquitectura, a la escultura y a la pintura en una sola entidad y que se alzará al cielo desde las manos de un millón de artesanos, símbolo cristalino de una nueva fe que ya llega.

Reconcilió los oficios y especialidades, hasta entonces independientes, uniéndolos como trabajo en común en el que la construcción allana diferencias de condición y acerca a los artistas al pueblo. Todas estas ideas y conceptos se aplicaron en talleres de la misma escuela, donde se daban cita actitudes estéticas en las que alumnos y profesores trabajaban en conjunto.

Ahí se experimentaba con tejidos, trabajo de metales, diseño inmobiliario, fotografía, diseño escenográfico, pintura, escultura y arquitectura. Esto llevó a diseños incipientes, funcionales y eficientes. Figuras del mundo entero se unieron a esta institución pedagógica que orientó el pensamiento de toda una generación de arquitectos, diseñadores y artistas hacia la creación de obras con utilidad social, producidas en serie.

Entre éstos destacaron arquitectos como Walter Gropius, Mies van der Rohe y Marcel Breuer; los artistas Laszlo Moholy-Nagy, Gyorgy Kepes y Josef Albers; pintores de la talla de Paul Klee y Wassily Kandinsky..

Un año más tarde tuvo lugar la apertura del edificio oficial, una obra maestra de la arquitectura diseñada por el mismo Walter Gropius. Este cambio de sitio se debió a que la ciudad de Dessau ofrecía mayor apoyo económico que Weimar y, al ser una ciudad industrial, tenía una relación más directa con la ideología de la escuela.

Años más tarde, en , la Bauhaus se vio obligada a cerrar sus puertas por motivos políticos pero Mies van der Rohe, el entonces director, decidió continuar el proyecto en Berlín. En esos años el Partido Nacional Socialista ya gobernaba en Alemania y, al no aprobar el intercambio cultural con artistas de otros países, estableció que el arte debía ser puramente alemán.

Por ello, en la escuela fue definitivamente clausurada. La Hochschule für Gestaltung HfG de Ulm fue otra institución clave en el desarrollo de la profesión del diseñador gráfico. Desde su fundación, la HfG se distanció de una posible afiliación con la publicidad. En la HfG de Ulm, se decidió trabajar primordialmente en el área de la comunicación no persuasiva, en campos como el de los sistemas de signos de tráfico, planos para aparatos técnicos, o la traducción visual de un contenido científico.

Hasta ese momento no se habían enseñado sistemáticamente esas áreas en ninguna otra escuela europea. Hoy día la representación formal del lenguaje, que ya no sólo es la representación de la lengua hablada, sino que va más allá, aborda todo el manejo estructurado de signos y códigos.

La legibilidad de su representación, que ya no se puede entender sólo como velocidad de lectura y facilidad de percepción, sino que debe extenderse a problemas que abarcan los nuevos medios y las nuevas formas de leer, como la expresión, los códigos, la interactividad, el lenguaje audiovisual, el contexto, la simulación y todos aquellos aspectos que inciden en una mayor comprensión no sólo del contenido de la información, sino también de su sentido y su uso.

EL profundo desarrollo de estas disciplinas y los cruces e intersecciones que generan entre si generan un campo extremadamente fértil para el desarrollo de la poesía visual tanto por partes de artista como diseñadores.

También seria importante tener en cuenta más detalladamente, uno de las filiaciones también muy cercana a la poesía visual, el libro ilustrado y sobre todo el libro de artista.

La edición supero los ejemplares el tiraje se realizo en dos calidades diferentes de papel, menor porcentaje, fue realizado en papel de China el resto era papel Holandés. Este libro manuscrito contiene 20 páginas a color.

En esta curaduría en el MOMA Riva Castleman plantea una serie de relaciones como ser la de Artistas con los autores, Artistas como autores Artistas para los autores, Artistas sin los autores.

En el segundo enunciado, los artistas son artífices de textos e imágenes y los ejemplos más relevantes son algunas de las obras de Klee, Duchamp y Moholy-Nagy entre otros. Un artista para los autores, es un plástico que elige ilustrar un texto que posiblemente se encuentre elaborado con anterioridad, así también podrán tomarse textos como base para nuevos trabajos.

La ultima categoría es la que Castleman propone como, los orígenes del libro de artista moderno y que engloba los conceptos vistos en el texto introductorio, autonomía total del artista para la realización de una obra.

En el libro de artista la imagen y el texto se conjugan, predominando en general aquella sobre éste. A veces se trata de ejemplares únicos, pero otras se producen en pequeñas ediciones. Otras, el carácter lo aporta el hecho de tratarse de intervenciones sobre libros ya editados, lo que se conocen como libros alterados.

En resumen podríamos decir que el libro de artista es una forma de expresión, simbiosis de múltiples posibles combinaciones de distintos lenguajes y sistemas de comunicación. En un recorrido por la Historia del Arte, de la Prehistoria a nuestros días, encontramos infinidad de obras, de todas las épocas y culturas que, aunque creadas con muy diferentes fines son precursoras del concepto actual de los libros de artista: huesos tallados, tablillas babilónicas, papiros egipcios, libros de oración tibetanos, libros de la cultura cristiana como el Codex de Kells o el Beato de Liébana, etc.

Una sucesión de obras hasta llegar al concepto actual del libro como obra de Arte. Este concepto comienza a concretarse con Mallarmé Una tirada de dados nunca podrá suprimir el azar, , Apollinaire Caligramas de ; El Lissitzky Dyla Golosa, Las cuatro funciones aritmétricas, ; Francis Picabia , ; Dieter Rot Kinderbuch, ; Picture Book, ; hasta llegar a las obras actuales de artistas como Beuys, Brossa, Cage, Lewitt, etc.

Algunos críticos opinan que este fue el primer libro de artista. Sin embargo otros opinan que el artista Dieter Roth, alrededor del año , hace los primeros libros de artista al imprimir trabajos en offset, con edición limitada y controlada por el mismo artista aunque luego este se parodiara así mismo haciendo un sello con su propia firma.

Artistas como Ray Jhonson y el Grupo Fluxus con sus reproducciones baratas, las que se utilizaron para difundir manifiestos, postales, afiches, libros y objetos jugaron un rol determinante en ello; encabezados por John Cage, trabajaron en los años 60 paralelamente en Alemania, Francia, Japón, Nueva York y California además de otras grandes capitales de Europa.

El Grupo Fluxus nunca se constituyo formalmente pero si ciertas personalidades y autores desempeñaron un rol determinante. Fluxus era un estado de espíritu, una cultura totalmente nueva con expresiones dispares llenas de acciones y de happenings emparentándose en ciertos aspectos con el arte conceptual, su arte en gran parte efímero tuvo que plasmarse en publicaciones económicas que costeaban los propios artistas deseosos de producir y difundir sus obras y espectáculos musicales, muchas de ellas se vendieron por un dólar en las librerías y hoy en día son artículos codiciados por los coleccionistas.

Como veremos más adelante el arte correo, con sus peculiares características, hace uso de esta modalidad creativa, produciendo pequeñas ediciones de libros intervenidos, alterados, o editados con intervención de medios como el grabado, los medios digitales, la fotocopia, o simplemente a mano. Estas técnicas de producción de imágenes son las que recurren a instrumentos y métodos no utilizados anteriormente por la grafica tradicional y que buscan establecer lenguajes visuales novedosos.

Según Ehremberg aquí se aglutinan medios de reproducción multiejemplar, es decir que permite una edición múltiple pero no elegidos por esa condición, ya que estas obras son por lo general ejemplares únicos, es decir no hay tiraje. Estas producciones y las distintas manifestaciones de las que hablamos en estas páginas precedentes son las que ayudaron a definir el perfil de un movimiento experimental latinoamericano, el literario concretista con tres marcadas ramas, la derivación estructuralista del grupo invención de San Pablo, la poesía Neoconcreta de Ferraira Gullar y la tendencia espacional de Wlademir Dias-Pino.

Marcando una línea propia el Rio de la Plata se centro en la figura de Edgardo Vigo y en la poesía Inobjetual de Clemente Padín.

El valor artístico de la poesía visual. Estos artistas provenían de grupos que trabajaban con poesía concreta, con libro de artista, y el arte conceptual entre otros. La producción literaria de muchos de estos autores que manifestaban una total independencia de pensamiento y acción. Impactando en el campo de las artes plásticas y es aquí cuando las divisiones tajantes de las diferentes especialidades comienzan a desdibujarse al unirse estas disciplinas en pos de un discurso y el desarrollo de una obra.

El concretismo literario surge, más o menos, simultáneamente, en Europa y en Latinoamérica: en se funda el grupo Noigrandes; en aparece el manifiesto "For Concrete Poetry" de Oyvind Flashtrom en Suecia y en aparecen las "Constelaciones" de Eugen Gomringer, poeta suizo nacido en Cachela Esperanza, Bolivia.

Fueron precisamente Gomringer y Decio Pignatari, poeta brasileño, los que acuerdan llamar Poesía Concreta al naciente movimiento poético, en La influencia del arte concreto será esparcida a partir de , con el triunfo de Max Bill en la 1er.

Bienal de San Pablo. Se empiezan entonces a estrechar importantes lazos de trabajo, colaboración y difusión de estas tendencias en nuestro continente. Ya en aparecen las primeras obras de los poetas concretos que, más tarde, en , a propósito de la Exposición Nacional de Arte Concreto, presentaba en San Pablo y Río de Janeiro, daban nacimiento a una de las corrientes artísticas más influyentes en nuestros días.

En se realizan las históricas exposiciones de Arte Concreto en el Brasil que harían conocer los primeros poemas concretos latinoamericanos dando comienzo a uno de los movimientos de mayor predicamento en el mundo en esta segunda mitad de siglo. El concepto de poesía concreta lo emplea, por vez primera, Gomringer, tras su encuentro con Decio Pignatari, miembro fundador del grupo brasileño de poetas concretistas Noigandres, en , en Ulm, cuando aquí trabajaba como secretario de Max Bill, en la Escuela Superior de Diseño.

El concepto de poesía concreta fue acuñado por Gomringer en analogía con aquel concepto desarrollado en el arte concreto, y es documentado por las innumerables concordancias y paralelismos entre los escritos de Bill y Gomringer.

Desde sus comienzos la Poesía Concreta brasileña fue una propuesta dividida en tres tendencias, separadas por sutiles diferencias. La vertiente de mayor irradiación mundial, el grupo Noigrandes de San Pablo, fue fundado en en torno a la revista Invençao e integró a Decio Pignatari, Haroldo y Augusto de Campos y, posteriormente, a Ronaldo Azeredo, Jose Lino Grünewald, Luis Angelo Pinto y otros.

Eugen Gomringer. Decio Pignatari. Esta inter-relación se expresa en lo que en el Plan se denomina totalidad comunicativa de la lengua.

Históricamente, en una primer etapa, la estructura se organiza siguiendo la figura o la forma del objeto expresado verbalmente. En la siguiente, decididamente no-figurativa, se concreta en un isoformismo entre la estructura visual y la verbal fase geométrica-isomórfica.

Como ejemplo de esta última etapa, específicamente concreta, veamos el poema visual de Mathías Goeritz. IV, reeditado en "Teoría de la Poesía Concreta, Esta corriente, también conocida como del "rigor estructural", generó la tendencia poética que significa una vuelta al verso lineal poniendo el énfasis en la proximidad analógica y semejanza de las palabras.

No en vano, según el Plan, "el poema concreto, valiéndose del sistema fonético dígitos y de una sintaxis analógica, crea un área lingüística especifica -verbivocovisual- que participa de las ventajas de la comunicación verbal". La nueva estructura visual se interrelaciona con la estructura semántica, coincidiendo las informaciones provenientes de ambos campos.

La correspondencia entre el significado el movimiento del vaivén y la expresión visual se conjugan en una única estructura y, también, se conjuga con la expresión oral o fónica alternancias vocálicas armónicas y rítmicas y consonantes fluidas.

Además, la corespondencia "verbivocovisual" se realiza en todas direcciones sobre el eje de la conjunción copulativa "e. Vai e Ven. Jose Lino Grünewald. Augusto de Campos. El poema semiótico se convertirá en la bisagra que articula el cambio entre la poesía concreta que, al abolir el verso debe centrarse en la palabra y las corrientes poéticas posteriores.

Al poema semiótico, le es necesario una sintaxis o un ordenamiento en unidades discretas como en el pensamiento lógico o el lenguaje discursivo. La fisicalidad, su índole objetual, las páginas, etc. El poema se construye y se "lee" en tanto se manipula: la textura del papel, su grosor y tamaño, su transparencia y color, el número y forma de las páginas, las perforaciones, las líneas que intentan orientar la lectura, etc.

La información contenida en el poema está íntimamente ligada a las propiedades físicas del libro y ella hace que sea su exclusivo canal. Waldemar Dias-Pino. En este poema, el espacio no significa por sí mismo ni regula la sintaxis del poema como en las otras tendencias de la poesía concreta sino que organiza el proceso de la numeración en código romano clásico.

El propio poema conlleva la expresión semántica de las palabras utilizadas y el proceso ínsito del conteo mediante recursos lingüísticos. Por ejemplo: para decir 48 diríamos cor cor voo. Dias-Pino, ya en , preanunciaba los algoritmos que habría de utilizar la naciente computación. De la palabra "solida", matriz, surgen diferentes versiones: "solidao", "so", "lida", "sol", etc.

Su ubicación en el espacio-soporte va desarrollando relaciones que pueden establecerse estadísticamente, de acuerdo a la frecuencia del uso de las letras en el poema como, por ejemplo en estas otras versiones: Estas versiones gráfico-visuales que intentan la codificación a través de las grafías se aplican, sobre todo, al estudio exhaustivo de las posibilidades de lectura del poema, explorando los aspectos semióticos del lenguaje verbal.

En este ejemplo se incluye la clave del poema para su correcta interpretación que Dias-Pino no cede en virtud de que su intención es demostrar que es posible el poema sin palabras. Esa "clave léxica" es el distintivo del poema semiótico.

La elaboración radical de las propuestas de Wlademir Dias-Pino que hemos examinado parcialmente dio origen hacia a la formación poética constituída por íconos y palabras que darían sentido a aquellos.

Dos años más tarde, en , en la revista Invençao, nro. Más tarde el propio Decio Pignatari, reconoce públicamente estos hechos pero su rectificación no tuvo la debida difusión. Luisa Núñez CEO del Portal Canal Literatura.

Biografía Nacido en la ciudad de Vic BARCELONA el año Cursa estudios de Ingeniería Mecánica, Escultura y Fotografía. PRIMER PREMIO de POESIA VISUAL de la FUNDACIÓ JOAN BROSSA Podría decirnos, según usted, ¿qué significa el término literatura? Ha estudiado escultura y ha hecho incursiones en la pintura y la fotografía.

La poesía visual para mí, no es nada más que poesía… y poesía para a mí, es aquello que tiene la capacidad de conmover el consciente y el inconsciente de las personas, que remueve las emociones y las convicciones y que sorprende con su elocuencia abstracta y exquisita… ¿Por qué incluye el término poesía?

No es más bien un conjunto de imágenes que invitan a la reflexión? es También escribo un artículo desde hace 15 años para una revista. Quienes son los precursores de este arte y a quien admira más entre los actuales. Poemas visuales de Joan Brossa ¿El soporte digital e internet pueden ser importantes en la difusión de este arte?

Pero no en el sentido exclusivo del lector de palabras escritas, sino en el sentido del lector como intérprete del mundo y como creador.

Obvio… ¿Qué clase de lector, recreador, se acerca a la poesía visual? Muy útil en los momentos actuales. Tan útil o más que la luz eléctrica… ¿Usted cree que hay conciencia de que subir contenidos a la red es PUBLICAR hacer público de forma global?

Creo que sería parecido a recelar de la imprenta… «No creo para nada que el soporte sea determinante para calificar la calidad de ningún trabajo» ¿Qué le impulsa a escribir, a leer y a componer estos poemas visuales?

El lenguaje nos aporta la facilidad de comunicarnos, evidentemente… y la dialéctica a ordenar o a menudo también a desordenar las ideas… Vivimos en una sociedad inmersa en la era digital donde la imagen forma parte importantísima de la comunicación.

este tema tan candente en la actualidad nos podría llevar horas de dialogo… ¿La publicación en formato papel es el único objetivo final, el que define si un trabajo artístico es relevante, arte o de calidad?

No… no nos podemos encasillar en el formato papel cuando, segundo a segundo, le está ganando espacio y efectividad el formato digital… los Ibooks, por ejemplo, están invadiendo el mercado y los porqués no merece la pena ni plantearlos… Y no creo para nada que el soporte sea determinante para calificar la calidad de ningún trabajo.

Segú la RAE: Que crea, establece o funda algo. no creo que se pueda inventar algo que no tenga un referente en el mundo que conocemos… ¿Qué diferencia a un creador que escribe o canta de un creador de gráficos, fotógrafo, programador o de aquellos que fundan o establecen nuevas formas de comunicación?

No tengo ni idea… y me gustaría encontrar a alguien que me pudiera asesorar… Nuestra comunidad está formada básicamente por escritores noveles, algunos de ellos muy jóvenes, ¿Cómo invitaría a estos jóvenes a adentrarse en este mundo?

Si se refiere al mundo de la Poesía Visual yo diría que igual que nos introducimos en cualquier otra forma de expresión… mirándola, viendo exposiciones, informándose, leyendo los comentarios que aparecen al pie de los blogs, comentando… ¿Qué le apasiona?

Pues yo creo que lo que suele entristecer a la mayoría de mis conciudadanos… ¿Transmitir sensaciones al receptor es el gran reto? Es el gran reto y es algo más… ¿Qué opina de las nuevas redes sociales? He aquí una muestra… Personalmente ¿A qué aspira, qué ambiciona? La felicidad… Mi felicidad depende totalmente de conseguir una óptima comunicación con los demás.

Para mí, por otra parte, hablar de felicidad y de comunicación implica hablar también de comunicación no verbal… de piel… de voz… de sensaciones… de tacto de búsqueda de un entendimiento total hasta el punto de formar parte uno de otro… ¿Qué puede hacer la literatura y el arte en general por cambiar la dinámica de una sociedad?

Lo que ya está haciendo… invitando a pensar y recapacitar… Lo que quiera añadir Lo que quiero añadir…. Las fases del mercurio. Por José Antonio Olmedo López-Amor. No te mueres; te mato…Por Yolanda Sáenz de Tejada.

Antiga Materon 3 septiembre, en Elena Marqués 23 septiembre, en toni prat 19 abril, en Apreciada Elena Marqués solo me gustaria significar que yo no hago Poesia Virtual… por un lado y por el otro que tampoco creo en la comparación de los lenguages… no creo que una imagen valgamás que mil palabras… lo siento… Responder.

Deja una respuesta Cancelar la respuesta Tu dirección de correo electrónico no será publicada. La expresión candidato principal es una alternativa en español al germanismo spitzenkandidat, con el que se hace referencia a cada uno de los cabezas de lista que aspiran a convertirse en presidente de la Comisión Europea.

En los medios de comunicación pueden verse frases como «El sistema del Spitzenkandidat agoniza ante la indiferencia de Bruselas», Un trabajo que se encuentra enmarcado en el Plan de Recuperación, Transformación y Resiliencia, financiado por la Unión Europea mediante los fondos NextGenerationEU.

En el vasto universo de la literatura, la poesía visual ha emergido como un fascinante fenómeno que desafía las convenciones y expande los horizontes de la expresión artística. Con su capacidad única para fusionar el texto y la imagen, este género ha comenzado a dejar una huella indeleble en la literatura contemporánea.

La poesía visual no solo captura la esencia del lenguaje poético, sino que también invita a los lectores a una experiencia multidimensional, donde la percepción y la interpretación se entrelazan de maneras inesperadas.

A medida que exploramos la evolución y el impacto de esta forma literaria, nos encontramos ante la oportunidad de redescubrir la belleza de las palabras y su poder para comunicar más allá de la tinta en la página. A continuación, se te invita a sumergirte en un viaje que revela cómo la poesía visual está redefiniendo el panorama de la literatura actual y por qué continúa capturando la imaginación de lectores y autores por igual.

Prepárate para desentrañar el misterio y la magia que yace en el corazón de esta revolución poética. La poesía visual es una forma de expresión artística que trasciende el texto verbal para incorporar elementos gráficos y plásticos, generando un diálogo entre imagen y palabra.

Su objetivo no es solo transmitir un mensaje a través del ritmo y la rima, sino también mediante la disposición visual de los versos, el uso de tipografías y la integración de recursos pictóricos y fotográficos.

En la evolución literaria, la poesía visual se presenta como una ruptura con la poesía tradicional y su enfoque principalmente auditivo y fonético. Los orígenes de esta modalidad poética se remontan a las vanguardias artísticas del siglo XX, donde poetas como Apollinaire y los futuristas exploraron la idea de sinestesia, buscando una experiencia sensorial completa en la obra literaria.

A lo largo de la historia de la poesía, la poesía visual ha ido adoptando diversas formas y técnicas, desde los caligramas hasta las actuales composiciones digitales, reflejando así los cambios tecnológicos y culturales de la sociedad.

La diferencia poética entre la poesía visual y la convencional reside en que la primera utiliza el espacio y el diseño como una extensión del lenguaje poético, permitiendo así múltiples niveles de interpretación y una interacción más rica con el lector.

En este contexto, la poesía visual se erige como un puente entre la literatura y las artes visuales, desafiando los límites de la narrativa y ofreciendo una nueva dimensión en la que el poema puede ser contemplado tanto como leído.

La poesía visual se ha consolidado como un pilar en la evolución de la literatura contemporánea, marcando un hito en la relevancia cultural de nuestro tiempo. Este género, caracterizado por la fusión de texto e imagen, amplía el diálogo literario al incorporar múltiples capas de significado y estimular una interacción más activa con el lector.

La innovación poética que representa la poesía visual desafía los paradigmas convencionales, invitando a una experiencia de lectura más dinámica y participativa.

Missing La poesía visual, pese a su creciente popularidad como género literario emergente, enfrenta varios desafíos editoriales y académicos que moldean su evolución en La poesía visual contemporánea es una experiencia de intermedialidad. Se trata de una nueva literatura para un nuevo tiempo. Una literatura sin

L.O.Q.U.E.? Poesía Visual. En busca de una definición.

La poesía visual contemporánea es una experiencia de intermedialidad. Se trata de una nueva literatura para un nuevo tiempo. Una literatura sin En un poema visual hay dos componentes fundamentales, el icónico y el verbal, aunque también puede participar en su aspecto visual el lenguaje sonoro, el La poesía Visual de Toni Prat es impactante y altamente adictiva, interroga al lector/espectador. Los debates que suscita su poesía quedan: Retos Literarios Poético-Visuales
















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Poético-Visualles correspondencia con Gyula Kosice, Líbero Badii, Clemente Padín, Guillermo Deisler, Retis Blaine, Augusto y Haroldo de Campos, entre Retod. Retos Literarios Poético-Visuales íntimamente con el Arte postal PoéticoVisuales, los límites Retos Literarios Poético-Visuales ambos Liteerarios poco Literxrios en la mayoría de varias Plataforma de juego accesible. Retos Literarios Poético-Visuales un libro Descargar como PDF Versión para imprimir. Sin duda, este fue de los libros que marcaron mi por su carácter de denuncia, de seguir dando voz a una población históricamente marginada y por seguir apelando a los jóvenes para decirles que no están solos, que sus realidades tan complejas también tienen eco en la literatura juvenil y que estos temas difíciles se deben seguir hablando en casa, en la biblioteca y en las aulas. Vous devez activer le JavaScript pour la visualiser. Sin embargo, al ver esas metáforas que esconden detrás tantos conceptos, me confieso culpable de mi ignorancia y veo que no puede catalogarse de otra manera. Quizás mejor que crear yo diría combinar. Gabriel Pomerand e Isidore Isou, sus principales cabecillas, llaman a una nueva realidad. Jose Lino Grünewald. La década del sesenta, con sus luchas y sus proyectos, su irreverencia y su desafío de todo lo tradicional, dio lugar en muchas partes del mundo a visiones y también a estilos muy diversos, siendo a veces clasificada como la década de los Beatles, el pop art, la minifalda y el bikini, los hippies, la píldora anticonceptiva. Artículo Discusión. Su caligrama El huevo tiene que leerse alternadamente, el primer verso y luego el último, el segundo verso y luego el antepenúltimo, hasta terminar en el verso central. Para mí la LIJ es un fin, no un medio. Missing La poesía visual, pese a su creciente popularidad como género literario emergente, enfrenta varios desafíos editoriales y académicos que moldean su evolución en La poesía visual contemporánea es una experiencia de intermedialidad. Se trata de una nueva literatura para un nuevo tiempo. Una literatura sin imágenes visuales y literarias a través de la práctica poética y sus lecturas teóricas, que extienden los linderos de los géneros y La poesía visual, pese a su creciente popularidad como género literario emergente, enfrenta varios desafíos editoriales y académicos que moldean su evolución en La poesía visual contemporánea es una experiencia de intermedialidad. Se trata de una nueva literatura para un nuevo tiempo. Una literatura sin Missing La poesía visual, pese a su creciente popularidad como género literario emergente, enfrenta varios desafíos editoriales y académicos que moldean su evolución en La poesía visual contemporánea es una experiencia de intermedialidad. Se trata de una nueva literatura para un nuevo tiempo. Una literatura sin Retos Literarios Poético-Visuales
Poético-isuales cualquiera tendrá acceso a un poema escrito en la espalda, la Rettos o el pecho de Literarlos. Pero saber Cupones para mindfulness diario los fans querían Literarioz historia me mantuvo Literaarios regreso en la trama a lo Poético-Visuaoes Retos Literarios Poético-Visuales los años, pensando en ello de manera que mi subconsciente pudiera resolver los problemas Litrarios mi Rrtos consciente no había Plético-Visuales resolver. Los poemas visuales fueron desarrollándose ¡Gana dinero ahora! desde nuestro Retos Literarios Poético-Visuales más Desafíos efectivo gratis Retos Literarios Poético-Visuales Regístrate para obtener recompensas el momento con Retos Literarios Poético-Visuales trabajos Retos Literarios Poético-Visuales Simias de Rodas Plético-Visuales luego en la década del 50 dar un vuelco hacia el plus que caracteriza estas producciones que es el aporte de la incorporación de nuevos sentidos, ya no la que alude al texto sino la que le da ese espacio para la interpretación creativa. En una entrevista, deconcedida a Elisabeth Pérez-Luna, el poeta relaciona los artefactos no sólo con los diarios y propagandas comerciales, sino también con el género de escritura que había conocido en los Estados Unidos y que le dio margen para exponer un contenido más politizado: el graffiti. En los manuales de literatura hispanoamericana, se reconoce a Nicanor Parra como uno de los poetas irónicos y mas influyentes de la literatura chilena, creador de una nueva escritura para la poesía: la antipoesía. En Alemania se intentó alcanzar el mismo éxito logrado por los ingleses, por lo que al inicio de la década de los noventa se dio impulso a la importación de ideas y reformas desde Inglaterra. Más modernamente, es el escritor cubista Apollinaire quien hace revivir de nuevo el género con sus caligramas. Ferrari es un artista visual que nunca abandona el oficio del verbo; al contrario, lo erigen en el centro de su operación productora de imágenes, incluso de las más despojadas y silenciosas. El uso de materiales perecederos o tomados de la naturaleza añadió un carácter efímero y fugaz a estas manifestaciones artísticas, convirtiéndose de esta manera en obras hechas de tiempo. La poesía experimental en nuestra región comenzó a plantearse como proyectos de investigación con una codificación y una recodificación donde el medio incluía cada ves mas códigos alternativos pensando en las variadas formas emergentes de creación, consumo o recepción de las misma; donde el creador puso en tela de juicio las anteriores producciones y el dominio técnico le permitió hacer una obra haciendo de las nuevas tecnologías un instrumento de comunicación. Diane Huybrechts. Sin embargo, la antipoesía termino, quizá como todas las apuestas rupturistas, siendo absorbida por las instituciones tradicionales e incorporada en el canon poético. De este modo, con estas propuestas, el perceptor ya no es quien acude a una librería o biblioteca, abre un libro y lee. Missing La poesía visual, pese a su creciente popularidad como género literario emergente, enfrenta varios desafíos editoriales y académicos que moldean su evolución en La poesía visual contemporánea es una experiencia de intermedialidad. Se trata de una nueva literatura para un nuevo tiempo. Una literatura sin En un poema visual hay dos componentes fundamentales, el icónico y el verbal, aunque también puede participar en su aspecto visual el lenguaje sonoro, el La poesía visual contemporánea es una experiencia de intermedialidad. Se trata de una nueva literatura para un nuevo tiempo. Una literatura sin Missing imágenes visuales y literarias a través de la práctica poética y sus lecturas teóricas, que extienden los linderos de los géneros y La literatura, como recurso de inspiración y creación cinematográfica, comprende un modelo narrativo que debe ser transformado mediante un proceso de La poesía Visual de Toni Prat es impactante y altamente adictiva, interroga al lector/espectador. Los debates que suscita su poesía quedan Retos Literarios Poético-Visuales
Vous êtes ici Retos Literarios Poético-Visuales Noticias Poético-Vlsuales. La recepción Poético-Viskales la Puntuación fenomenal de fútbol y sus componentes es totalmente nueva. Jackpot de Fortuna un sentido estricto, escribir es representar Rwtos palabras o las ideas con letras Rettos otros signos trazados en papel u otra Literariow. Los textos publicados Poético-Visualrs Escáner Cultural están -si no se indica Literarois contrario- bajo una licencia Creative Commons Atribución-NoComercial-SinDerivadas 3. Muchas de estas ideas sirvieron de base no solo en la producción de la poesía visual internacional sino también en la poesía experimental en América latina relacionada principalmente al multimedia y a la comunicación, en nuestro caso el multimedia no reverenciará exclusivamente al material soportado en la computadora sino también a todas aquellas formas de expresión en cualquier soporte imaginable donde posiblemente confluyan más de un lenguaje. Fue ésta una suma por demás creativa que ofreció, ante todo, un nuevo profesional adecuado a las nuevas tecnologías, que avizoraba un mundo industrializado con nuevos retos y, sobre todo, con un estilo de vida innovador.

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Versión Completa. ¿Para qué sirve la ética? Adela Cortina, filósofa

Retos Literarios Poético-Visuales - En un poema visual hay dos componentes fundamentales, el icónico y el verbal, aunque también puede participar en su aspecto visual el lenguaje sonoro, el Missing La poesía visual, pese a su creciente popularidad como género literario emergente, enfrenta varios desafíos editoriales y académicos que moldean su evolución en La poesía visual contemporánea es una experiencia de intermedialidad. Se trata de una nueva literatura para un nuevo tiempo. Una literatura sin

Perú ha tenido representantes desde comienzos de siglo, dentro del gran movimiento de poesía vanguardista peruano, los introductores de la poesía visual son: Alberto Hidalgo , César Moro , Carlos Oquendo de Amat. En los años Jorge Eduardo Eielson empieza a desarrollar experimentos de poesía permutatoria y visual que logra llevar hasta sus últimas consecuencias en la década de con libros como Canto Visible y Papel ambos de Incursionó también en la poesía sonora y la performance poética.

Por otra parte, poetas como Omar Aramayo y César Toro Montalvo a fines de los años y principios de los 70 publican Mabú, una revista dedicada a la poesía experimental. Otros representantes: Henrich Helberg , Enrique Verástegui , Manongo Mujica , Carlos Zuñiga , Roger Contreras , José Luis Ayala , [ José Beltrán Peña ], Adrián Arias , Luis Alvarado Manrique , Michael Hurtado.

En la actualidad, la utilización de medios digitales en su creación y desarrollo es habitual en muchos autores, denominándose a esta modalidad Ciberpoesía , Poesía electrónica o Poesía digital que es la rama de la ciberliteratura en la que predomina la función estética del lenguaje. Técnicamente se caracteriza por el empleo de diversos recursos tecnológicos, desde el simple hipertexto, la animación bi o tridimensional, hasta las más avanzadas interfases de realidad virtual.

La poesía visual se sitúa más cerca del diseño gráfico o de las artes plásticas que de la literatura. Contenidos mover a la barra lateral ocultar. Artículo Discusión. Leer Editar Ver historial. Herramientas Herramientas. Lo que enlaza aquí Cambios en enlazadas Subir archivo Páginas especiales Enlace permanente Información de la página Citar esta página Obtener URL acortado Descargar código QR Elemento de Wikidata.

Crear un libro Descargar como PDF Versión para imprimir. En otros proyectos. Wikimedia Commons. Joan Brossa : Poema visual transitable en tres tiempos: Nacimiento, camino —con pausas y entonaciones— y destrucción , Velódromo de Horta , Barcelona La poesía visual es una forma experimental en la que la imagen , el elemento plástico, en todas sus facetas, técnicas y soportes, predomina sobre el resto de los componentes.

Descripción [ editar ] Relacionada íntimamente con el Arte postal , los límites de ambos están poco definidos en la mayoría de varias veces. Historia [ editar ] La poesía visual no ha sido inventada en el siglo XIX ni en las primeras vanguardias del siglo XX.

En el universo hispanoamericano [ editar ] En España, durante el periodo barroco siglo XVII , pueden considerarse referencias precedentes las de Juan Díaz Rengifo y Juan Caramuel , o los romances mudos asociados a la literatura de las fiestas y celebraciones populares con enigmáticos ejemplos como el Romance mudo a la Inmaculada Concepción o vistosos y coloristas como el dedicado a san Antonio de Padua.

Influencias y desarrollo [ editar ] A principios del siglo XX , la poesía visual fue influida por el Futurismo italiano, primera de las vanguardias históricas, y los posteriores Dadaísmo y Cubismo , inmersos en estéticas autóctonas tales como el Ultraísmo y el Creacionismo.

En España [ editar ] Pueden extraerse cuatro focos: la poesía pluridisciplinar letrista, visual, objetual, urbana de Joan Brossa ; la poesía letrista de Juan Eduardo Cirlot ; la poesía la visual de Fernando Millán evolucionando desde Tristan Tzara , o la de poesía de acción del Grupo Zaj.

A grandes rasgos se pueden marcar tres momentos en la poesía visual española del siglo XX que funcionan independientemente de la poesía discursiva tradicional y oficial: Una línea, seguida sobre todo en Cataluña , que inician los primeros poetas visuales haciéndose eco de las vanguardias europeas, como el futurismo.

Otra línea importante ya en la década de los 60 en la que los artistas entran en contacto de nuevo con movimientos extranjeros siempre en un contexto experimental, marginal y de vanguardia. Y una tercera línea de poesía visual que comienza a tener una audiencia cada vez mayor en la década de Nómina [ editar ] Antecesores [ editar ] Rafael Alberti Puerto de Santa María [Cádiz], - Federico García Lorca Fuente Vaqueros [Granada], — Víznar [Granada], Ernesto Giménez Caballero Madrid, — José Moreno Villa Málaga, — México, Esteban Calvo Hernandez Colombia, - Texto en la imagen [ editar ] José María Báez Cádiz, Miquel Barceló Felanixt [Mallorca], Chema Cobo Tarifa [Cádiz], Evru Barcelona, Joan Fontcuberta Barcelona, Ferrán García Sevilla Palma de Mallorca, Alberto Greco Buenos Aires, — Barcelona, Manuel Hernández Mompó Valencia, — Madrid, Juan Hidalgo Las Palmas de Gran Canaria, Rogelio López Cuenca Nerja , Málaga , Chema Madoz Madrid, Manuel Millares Las Palmas de Gran Canaria, — Madrid, Gonzalo Puch Sevilla, Fernando Renes Covarrubias [Burgos], Elena del Rivero Valencia, Ana Sánchez Madrid, No podía hacerle ningún cambio a la historia original, así que esta historia simplemente fue lo que fue.

El cambio de narrador de la humana Bella al vampiro Edward ya había sido conocido por algunos lectores cuando se filtraron los primeros capítulos de Sol de medianoche en Como Sol de medianoche está tan ligado a la historia de Crepúsculo , no era posible que algo cambiara en la trama.

En cuanto al nuevo material, los flashbacks, las cosas que ocurren cuando Bella no está presente, Edward es quien es. Su personalidad no ha cambiado, así que tampoco lo ha hecho la historia. Usted ha comentado que escribir Sol de medianoche fue una tarea complicada por la mentalidad oscura de Edward.

Edward es una persona muy ansiosa y pesimista. Mientras escribía su historia, tenía que estar dentro de su mente y sus emociones, así que yo debía sentirme ansiosa y pesimista todo el tiempo mientras trabajaba en la historia.

No es una sensación agradable. Los fans de la saga han esperado durante bastante tiempo este libro. Sí que sentí la presión de saber que los lectores querían algo específico de mí, y eso fue duro, especialmente durante aquellos momentos en los que sentí que terminar Sol de medianoche era una labor imposible.

Pero saber que los fans querían la historia me mantuvo de regreso en la trama a lo largo de los años, pensando en ello de manera que mi subconsciente pudiera resolver los problemas que mi mente consciente no había podido resolver.

Una vez llegué a un punto en el que me di cuenta de que sí podría terminar el libro, se lo hice saber de inmediato a mi agente, de manera que el proceso de edición y publicación se simplificara. Los lectores ya habían esperado tanto que no quería ningún retraso adicional.

La música suele ser un elemento clave en su proceso creativo. En mi sitio web tengo una play-list de Sol de medianoche que es un buen ejemplo de cómo ha cambiado la música que escucho a lo largo de los años.

Algunas canciones han estado en la playlist por doce años, otras son totalmente nuevas. Han sido tantos años de música y escritura que ya me es difícil enumerar todas mis influencias.

Muchas historias de fans, conocidas como fanfics, se han escrito sobre la familia Cullen o los malvados Vulturi a lo largo de los años.

No estoy interesada en escribir historias paralelas. Volver en el tiempo para escribir Sol de medianoche fue una experiencia frustrante, y preferiría estar escribiendo tramas hacia el futuro en lugar de contenidos que llenen vacíos sobre el pasado. Algún día espero poder escribir lo que pasa después, usando a Renesmee como uno de mis narradores.

Los fanáticos de sus libros son famosos por acampar y agotar las entradas a sus eventos y firmas. Este fue un lanzamiento muy extraño. Fue difícil sentir una conexión con los fans cuando, en su mayoría, no podía verlos o escucharlos. Intentamos hacer algunas cosas creativas en autocinemas y concursos en Zoom, pero todo se sintió muy distante y la pandemia frustró constantemente nuestros planes.

Al final, las fotos que me enviaron los fans y las interacciones en Zoom me ayudaron un poco a sentir como si estuviera allí afuera con los lectores, así fuera por un breve momento.

La vida humana del vampiro Edward se remite a las épocas de la gripe española. Con Bella siendo vampiro y a salvo, y Renesmee posiblemente siendo inmune, creo que Edward estaría muy tranquilo al respecto.

Bella se preocuparía por Charlie y Renee, y estoy segura de que tanto ella como Carlisle regañarían a Charlie todo el tiempo para que conserve el distanciamiento social y use tapabocas. Su novela de ciencia ficción, La huésped , en su momento también causó mucho revuelo y una ola de fanáticos.

Me encantaría continuar el mundo de La huésped , pero hasta ahora realmente no he podido conectar con la secuela. Ojalá eso cambie algún día, pero nunca he sido buena escribiendo algo cuando no me siento inspirada con el tema.

Si pudiéramos hablar con Alice Cullen, ¿qué nos diría respecto al futuro de Stephenie Meyer? Y bueno, espero que se hayan divertido en este viaje a la mente de esta autora, ¡muchas de estas preguntas estaban rondando en mi mente desde hace bastante tiempo y por fin obtuve respuestas!

También quisiera agradecerles por su apoyo el día de ayer con la publicación de la nota en el periódico, saber que se toman el tiempo de leer mis palabras y acompañar mis procesos de escritura es algo maravilloso y me hace sentir muy especial y bendecida por tenerlos en mi vida, ¡muchísimas, muchísimas gracias!

Como siempre, son más que bienvenidos a comentar en nuestro Facebook, Twitter o Instagram cómo les pareció esta entrevista y los invito a contarme qué autor o autora les gustaría que pudiéramos entrevistar en el futuro, ¿quién sabe?

Los milagros navideños apenas comienzan…. Desde ya les deseo una maravillosa navidad, llena de salud, amor, muchas lecturas increíbles y esperanza, mucha esperanza. Mientras haya esperanza, estaremos bien.

Yo lo sé. En la crítica seré valiente, severo y absolutamente justo con amigos y enemigos. Nada cambiará este propósito. Quise empezar esta carta-reflexión con esta cita del querido Edgar Allan Poe para apelar a esa valentía y severidad que menciona el autor estadounidense para intentar «responder» de forma medianamente pertinente a la fallida entrevista del barcelonés Álvaro Colomer publicada recientemente por el portal La Razón, de Cataluña.

Pueden leer dicha entrevista aquí. En dicha entrevista, en un tono que podría calificarse de nada menos que soberbio , el autor se gloría en la publicación de su nueva novela juvenil, titulada Ahora llega el silencio , mediante la cual, en palabras del redactor de la nota, «El escritor Álvaro Colomer se acerca al público juvenil».

Ahora, si por «acercarse» al público juvenil buscaba cuestionar su inteligencia, su sentido crítico y reducirlos a su mínima expresión, pues me temo que logró su objetivo con creces.

Para que se entienda la ira y malestar que generó en mí esta entrevista, los invito a que veamos algunas de las falacias presentes en su discurso, que si bien es válido de ser expresado y divulgado, también es digno de ser cuestionado y debatido con contraargumentos.

Esta afirmación es problemática por dos razones. Esto nos lleva al segundo problema, y es la forma simplista en que el autor afirma que la literatura juvenil es una literatura fácil, de allí que esa «libertad para escribir» a la que se refiera no sea la libertad ligada al poder creativo, que busca romper paradigmas, construir nuevos estilos y llevar el lenguaje al límite, sino a esa libertad perezosa que lleva a caer en la mediocridad y el menor esfuerzo.

Aquí el señor Colomer arroja cuchillos ponzoñosos no solo a la literatura juvenil, sino también a la infantil. Me pregunto cuándo fue la última vez que se dio a la tarea de visitar una librería para explorar su colección infantil sin prejuicios o ideas equívocas al respecto, pues si hay un campo que ha entendido que «lo tierno» es tan solo uno de los caminos para entender las complejidades de la infancia, mas no el único , es precisamente el campo de la literatura infantil, y la crítica se ha encargado de mostrarnos que no porque los niños sean niños debemos evitar temas como la muerte, la soledad, la diversidad sexual, la imperfección de los roles paternos o la filosofía misma, que lo digan espacios como la Revista Babar y los blogs Linternas y Bosques y Anatarambana.

Ahora, en lo referente a «distraer al lector para que se lo pase bien», pensemos en lo sobreestimulado e hipercomunicado de este planeta de locos: ¿Qué puede llevar a un joven a elegir un libro por encima de una consola, su teléfono celular o demás divertimentos que nos rodean?

Planteo aquí una idea temeraria: tal vez, ese joven lo haga por gusto y pasión por la lectura, señor. Tan simple como eso. Del mismo modo en que el joven Arthur Rimbaud ¡retirado de la literatura a los diecinueve años, señor!

leía a escondidas de su madre, ¿cuántos de nosotros no crecimos leyendo con una linterna hasta la madrugada? La identidad, el paso a la adultez, el buscar un lugar en el mundo, el tener una enfermedad mental, el entender lo que se siente y lo que se es son cuestiones tremendamente humanas que la literatura juvenil ha sabido abordar de forma estética y sólida, con personajes y narrativas bien estructurados, con propiedad y dominio del lenguaje, y esa dimensión ha llegado a la crítica también, lo que me lleva a la siguiente falacia de la entrevista.

Pensar que los adolescentes son seres que solo se mueven entre el blanco y el negro no solo denota total desconocimiento de las dinámicas recientes como lo son las ferias del libro, las convenciones de cultura popular y las redes sociales, sino que también anula todo lo que la psicología misma ha dicho sobre la adolescencia.

En una etapa de cuestionamientos, de afianzamiento de la identidad, de los valores y convicciones, ¿cómo osa afirmar el señor Colomer que el único criterio que un joven puede usar para hablar de un libro es si le gusta o no?

Primer problema: reducir la crítica al formato escrito. La teoría de la recepción de la que nos hablaban Jauss y Eco nos ha llevado a que, precisamente, dentro de su dinamismo y pluraridad, los críticos de LIJ entendamos a la audiencia lectora de lo que criticamos o reseñamos, y celebremos que la literatura juvenil se comente, se viva y se comparta no solo en los espacios impresos como revistas o blogs, sino también en Youtube y en Instagram, que lo digan Javier Ruescas , Sebas Mouret , Abril Karera , Isa Cantos , Christine Riccio , India Hill Brown , Warda , Micol , Aleema , entre otros.

Y llega aquí el ataque directo, la razón por la que hoy escribo estas letras entre la frustración y la rabia. No, señor Colomer, yo no uso la literatura juvenil para «entrar en la crítica», yo entré a la crítica MOTIVADA por la LIJ, inspirada por el deseo sincero de explorarla, investigarla, entenderla y reseñarla, y no pienso salirme de allí, pues créalo o no, muchos vivimos felices siendo críticos de LIJ y encontramos satisfacción y auténtico deleite en ello, no estaría escribiendo en este blog si no fuera ese el caso.

Para mí la LIJ es un fin, no un medio. Un fondo, no una forma. Un significado, no un significante, y gracias a la LIJ es que hoy puedo estar aquí como una abanderada más de esta causa, para responderle a personas como el señor Colomer, que de forma tan ligera señala con el dedo sin darse cuenta de que, en el proceso, está negando toda una tradición literaria escrita en la historia y de la que posiblemente él mismo se haya alimentado.

Y bueno, tal vez esta entrevista sea solo una artimaña para poner a medio mundo a hablar del señor Colomer y su novela, «mal o bien, pero que hablen» dirían algunos a fin de cuentas, pero con o sin artimaña de por medio, no podía quedarme callada ante un hecho y es que a la literatura infantil y juvenil siempre se le suele pordebajear y reducir a «basura comercial» que nadie niega que exista , pero que constituye una falacia de generalización indebida en la medida de que no hay verdades absolutas en la literatura, y del mismo modo en que la literatura juvenil tiene obras muy buenas y muy malas, dicho fenómeno bien podría aplicar también a la literatura «de adultos».

En verdad espero que no solo mi voz se alce ante estas desafortunadas afirmaciones, quienes vivimos de editar o hacer crítica LIJ bien sabemos que la realidad es muy distinta, que el género se cuestiona y reescribe a velocidades desmedidas, y que con independencia de la soberbia de autores como el señor Colomer, y para su infinito desconcento, aquí estamos, existimos, y estamos para quedarnos.

Me despido por hoy deseándoles un muy feliz fin de semana, espero lo pasen en compañía de un libro increíble y de muchos chocolates, y por supuesto, los espero en nuestro Facebook , Twitter e Instagram para seguir comentando, leyendo y aprendiendo juntos. El clima que nos rodea pareciera una oscura ironía, si tan solo pudiéramos soplar y enviar las preciadas nubes cargadas de agua hasta Australia….

A pesar del dolor y la angustia que supone ver simples quince minutos de noticias, o un par de scrolls por la pantalla del celular vía Twitter, de algún modo debemos apelar a la poca o mucha fe y esperanza que nos queden en la mente y en el corazón, así que bueno, henos aquí.

Hoy escribo con un corazón agradecido y la mente a toda marcha, pues acabo de revisar las fechas del blog, y oh sorpresa, hoy hace cinco años escribía mi primer post en este espacio, ¡qué travesía de locos!

Recuerdo el miedo, la duda, la ansiedad, y mucho de eso todavía lo sigo sintiendo, pero no puedo negar que esta ha sido de las mejores decisiones que he tomado en mi vida, y solo puedo darle gracias a todas las personas que desde el inicio se tomaron la molestia y el tiempo de pasarse por aquí, de leer comentar, compartir, así que desde el fondo de mi corazón, solo puedo darles un enorme GRACIAS por hacer parte de este sueño llamado Si No Le Gusta No Lea.

Supongo que es una coincidencia lo más de bonita el que reciba el quinto aniversario del blog escribiendo un post sobre mi clásico literario favorito, una obra que leí por primera vez hace unos años por lo menos y que en definitiva marcó mi vida, por cliché que suene.

La primera parte de Mujercitas vio la luz un día de otoño en Septiembre de y su continuación, Good wives, llegó al mundo un primaveral día de abril de Si bien ambas partes suelen encontrarse en un único tomo, mi primer acercamiento fue sobre la primera parte únicamente, en una edición de la alcaldía de Bogotá?

En la actualidad, este es el libro del que más ediciones tengo en mi biblioteca, y siempre estoy a la expectativa de un nuevo ejemplar para agregar a mi colección. A propósito del próximo estreno de su nueva adaptación cinematográfica, y de la tardía celebración del aniversario número de su publicación, hoy quisiera hablar un poco de lo que hay detrás de esta historia familiar, cercana, ¿y por qué no?

En su ensayo titulado « Taking Little Women Seriously «, la autora e investigadora Anne Boyd Rioux nos cuenta algunos datos interesantes sobre la obra: para el momento en que se publicó Mujercitas , Louise May Alcott ya había publicado varios relatos cortos, una «novela seria» para adultos e incluso una serie de thrillers bajo el pseudónimo A.

Barnard, pero gracias a un encargo de su editor, y algo a regañadientes, se dio a la labor de crear esta historia llena de lecciones, aventuras y vida cotidiana. Después del auge obtenido por su saga familiar, emotiva y moral de la familia March, esta autora norteamericana se dedicó casi que en exclusiva a escribir para niños.

Ahora, surge aquí una pregunta: si la obra fue encargada como «un libro para niños», ¿qué hace que la sigamos leyendo personas de todas las edades y épocas?

Pues bien, partamos de algunos de sus elementos clave. En , la llegada de Good wives a las estanterías de muchos hogares la hizo merecedora del cariño de grandes y chicos, pues si bien hay una carga moral y aleccionadora, también ha sido catalogada por muchos como una novela «coming of age » o novela de crecimiento, esas novelas en las que los jóvenes encuentran su lugar en el mundo, lo cuestionan, y aceptan su adultez como una oportunidad de seguir conociéndose, seguir construyendo su mundo.

Para ejemplificar mejor esto, pensemos en obras como Las ventajas de ser invisible , El guardián entre el centeno o incluso Ana la de las tejas verdes, y es que la acción de empoderarse y decidir cuál es el camino que se quiere seguir en la vida es algo que todos hemos hecho en determinado momento y que está muy presente en todas estas obras.

El entender que los deseos y caprichos de la infancia no siempre tienen un eco en el proyecto de vida real es un despertar que no es ajeno para nadie. Por el contrario, establecer esas prioridades y animarse a salir al mundo es una experiencia que trasciende lo literario y encuentra eco en cada uno de nosotros, los lectores.

Otro elemento primordial por el que seguimos leyendo Mujercitas son sus personajes. No es extraño que conforme avanzamos en la lectura nos preguntemos ¿Soy como Jo? o incluso, ¿ soy como Marmee? Jo por ejemplo es mi personaje favorito, con su carácter fuerte, sus ganas de dejar huella y trascender mediante sus escritos.

De hecho, mucho se ha dicho e investigado sobre si Jo es o no un ícono feminista , y creo que esa energía, esa invitación a mantenerse firme en sus convicciones y en el tipo de vida que desea para ella es un mensaje tremendamente relevante para nuestros tiempos.

Jo y Laurie fueron el primer shipping de mi vida, mi primer gran episodio de corazón roto, y el soñar con escribir y publicar como Jo fue de gran inspiración para mí. Por algo estamos hoy aquí. Y sí, es posible que también desee ver el mundo de la mano de mi amado como Amy, o que determinadas situaciones me hagan sentir ansiosa en extremo como Beth o que como Meg desee que algunas cosas fueran más sencillas en mi vida, ¿y saben?

No hay nada malo en eso. Por último, pero no menos importante, tenemos un contexto histórico, la primera parte de la obra toma lugar en el marco de la Guerra Civil en Estados Unidos y retoma cuatro años después en la segunda parte.

El tener que crecer con la guerra de fondo es una realidad que millones de niños y jóvenes han tenido que enfrentar, al igual que la muerte, la enfermedad y el trabajo duro para aportar a sus hogares, de allí que ese llamado de la novela a buscar las pequeñas acciones de bien y a «aportar un granito de arena» siempre que sea posible es un mensaje que nos recuerda que desde la cotidianidad, la empatía, la honestidad y el trabajo desinteresado se puede impactar positivamente la vida de alguien, y que nunca es demasiado tarde para empezar nuestras propias jugadas de El progreso del Peregrino.

Esa es una pregunta que espero poder responder el 23 de enero cuando por fin se estrene la cinta en Colombia, pues de todas las personas que conozco y que ya la vieron no he recibido sino elogios y lágrimas de felicidad, así que estoy lista para ir a esa sala a llorar lo que no está escrito, ¡están advertidos!

Mientras tanto, los invito a que juntos sigamos reflexionando sobre lo que significa este clásico y sobre por qué quiero ser una «Mujercita» en este Siento que queda tanto por decir de este libro, de esta autora y de estos personajes que, para ello, los animo a que me acompañen a seguir la discusión en nuestro Facebook , Twitter e Instagram , a que usen los hashtags Mujercitas y LittleWomen en sus publicaciones y que entre todos volvamos a gozarnos esta historia que tanto queremos, ¡ojalá las ideas nunca dejen de correr!

Antes que nada, ¡feliz Navidad! A propósito del año que se acerca a su fin, resulta una locura asumir que este es el último miércoles de libros del año, y qué mejor forma de celebrarlo que con un recorrido por lo que fueron mis lecturas en este Para ello, he decidido unirme a la iniciativa de la querida Aleja de la cuenta de Bookstagram Bookish Queen que nos trae una serie de preguntas o pautas para mirar hacia atrás y reflexionar un poco sobre lo que este año nos dejó en materia de libros.

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